De Pedro Almodóvar a Paolo Sorrentino, las películas pandémicas son personales

Los estrenos recientes en Venecia y Telluride realizados durante el año pasado lidian con temas que muestran la marca innegable de tiempos existencialmente tensos.

Los festivales de cine a menudo presentan tal mezcolanza de historias que la percepción de un hilo conductor suele ser una ilusión efímera, pero varios estrenos en Venecia y Telluride reflejan un mundo enfrentado a su mortalidad. Las películas realizadas durante los últimos 18 meses demuestran agudas cualidades personales que llevan el sello innegable de la pandemia.

En el compasivo drama sobre la mayoría de edad de Paolo Sorrentino “La mano de Dios”, el director ofrece una tierna oda a su traumática adolescencia, cuando la muerte repentina de sus padres lo obligó a ordenar su lugar en un universo cruel. La película se lee como una justificación biográfica de las películas que ha hecho a lo largo de su carrera y proporciona una excusa para volver a visitarlas bajo una nueva luz.

La repentina orfandad de Sorrentino influyó en su decisión de convertirse en cineasta, sin embargo, incluso la deslumbrante colección de coloridos creativos italianos en su ganadora del Oscar “La gran belleza” parecía bailar en torno a su propia conexión con sus historias. “La Mano de Dios” renueva la opulencia Felliniense de Sorrentino como un dispositivo más íntimo para mostrar cómo incluso las superficies bonitas en el centro de su realización cinematográfica provienen de un lugar de profundo deseo de hacerse cargo de su tumultuosa existencia poseyendo cada fotograma.

“La mano de Dios”

Gianni Fiorito

Esa misma lógica se aplica a Kenneth Branagh, cuyo “Belfast” en blanco y negro encuentra al prolífico director comercial volviendo a sus raíces en términos igualmente explícitos. En este caso, Branagh recrea sus recuerdos de los Problemas en Irlanda del Norte a través de los recuerdos ficticios de un niño de ocho años que actúa como su sustituto. Enmarcado desde la perspectiva del joven Buddy (Jude Hill), “Belfast” lo encuentra encerrado con sus padres (Jamie Dornan y Caitríona Balfe) mientras descubre el escapismo en el cine mientras presencia el creciente enfrentamiento entre católicos irlandeses y protestantes en momentos prolongados.

Branagh se basa en el mismo libro de jugadas que Sorrentino al utilizar el lenguaje cinematográfico para evocar el deseo de una mente joven de darle sentido al mundo. Incluso un uso leve de “High Noon” como metáfora de las circunstancias que rodean la ciudad, donde la comunidad debe tomar partido después de que las fuerzas externas los encierran, se siente como un intento serio de un director veterano de explicar cómo él ve allí. El público ve las películas como entretenimiento, pero para estos cineastas también son un salvavidas que da sentido a una sociedad en constante amenaza de colapso.

“Belfast” y “La mano de Dios” combinarían muy bien en un proyecto triple con las poderosas “Madres paralelas” de Pedro Almódovar, que abrió Venecia con el autor español confrontando un aspecto clave de su identidad nacional hasta ahora inédito en sus casi 50 años de carrera. . A primera vista, este melodrama vibrante y evocador juega un juego familiar: Penélope Cruz encarna el profundo conflicto de una madre soltera que no sabe si el hijo que trae a casa del hospital es el adecuado, mientras desarrolla una relación ambiciosa con la madre más joven. (la recién llegada Aitana Sánchez-Gijon) se encuentra en el hospital.

“Parallel Mothers” luego profundiza su enfoque temático para abarcar los fantasmas de la Guerra Civil Española y su reverberación a través de múltiples generaciones, a pesar de aquellos que prefieren fingir que nunca sucedió. Janis de Cruz (llamada así por Joplin) está ansiosa por desenterrar las tumbas de familiares que desaparecieron cuando Francisco Franco llegó al poder. A medida que esa ambición se apodera gradualmente de la trama, “Parallel Mothers” evoluciona hacia una metáfora mordaz del deseo de mantener una conexión con el pasado, sin importar cuán fácilmente se desvanezca en una nebulosa incertidumbre.

Finalmente, ese impulso adquiere forma explícita con una visita a la escena del crimen en el campo, marcando una de las primeras veces que Almodóvar (cuyos primeros protagonistas posfranquistas del movimiento La Movida Madrileña se obsesionaron con la libertad de expresión posfranquista). ) confronta la fealdad de la historia de su país a través del mismo estilo apasionado e introspectivo que dirigió para sondear su crisis creativa en “Dolor y gloria”. Al igual que con “La mano de Dios” y “Belfast”, hay una implicación obvia en juego aquí: la historia es personal sin importar quién sea testigo de ella.

Que Almódovar cree un drama en medio de la pandemia que en realidad trata de exhumar los cuerpos de un pasado violento, un pasado que se cierne al margen, si es que es visible, en su obra anterior, se registra como el reconocimiento último de la responsabilidad personal catalizada. por eventos actuales. En otras palabras: si no es ahora, ¿cuándo?

“La historia de mirar”

Y está bien, quizás esa triple factura podría necesitar más compañía. El ensayista cinematográfico Mark Cousins ​​generalmente se posiciona como un actor de fondo en las odas poéticas al poder del cine, sobre todo con su serie de varias partes “The Story of Film” (la entrega más reciente, “The Next Generation”, que se estrenó a principios de este año en Cannes). Sin embargo, “The Story of Looking” adopta el mismo enfoque mordaz que Cousins ​​aporta al proceso de ver películas y lo convierte en él mismo.

Ambientada un día antes de que se someta a una cirugía ocular que podría arruinar su vista, “The Story of Looking” encuentra a los sensibles Cousins ​​reflexionando sobre su relación con las imágenes poderosas a lo largo de su vida, mientras pasa gran parte del día acostado en la cama, temeroso de enfrentarse al exterior. mundo. El resultado oscila entre los patrones discursivos y de búsqueda del alma de una película del diario de Jonas Mekas y el Ted Talk más agradable del mundo, mientras Cousins ​​analiza lo que ha significado para la humanidad apreciar la belleza a lo largo de miles de años. La encuesta va desde las pinturas del Renacimiento hasta las selfies (que Cousins ​​conecta brillantemente con los autorretratos de los artistas en épocas pre-digitales). El cine ocupa un lugar preponderante en todas partes, aunque Cousins ​​lo posiciona como un fragmento del impulso mucho más largo (y antiguo) de apreciar el mundo visual en todas sus complejidades.

No es explícitamente una película sobre la pandemia, “La historia de mirar” se juega como una oda conmovedora para enfrentar el miedo a perder el contacto con el mundo y el empoderamiento que puede surgir simplemente de aprender a apreciarlo. Al final, Cousins ​​toma el arriesgado movimiento de imaginar su futuro, años después, y darse cuenta de que su deseo de seguir mirando al mundo sigue siendo la única constante. Intenta recordar la palabra para describir un poco de alga que registró flotando en un estanque. “No recuerdo la palabra”, dice, “pero puedo verla”. La conmoción de ese sentimiento es algo que muchos cineastas exploran a través de su trabajo, y parece poco probable que lo den por sentado en el corto plazo.

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