Prism Review: Documento experimental sobre cómo la cámara captura sujetos negros

NYFF: La función colaborativa de An van Dienderen, Rosine Mbakam y Eléonore Yameogo interroga la historia, y el futuro, de cómo los sujetos negros se muestran a través de las lentes de nuestra cámara.

En 2017, se dedicó bastante cobertura mediática a la cinematografía de la popular comedia dramática de HBO “Insecure”. La serie aclamada por la crítica de Issa Rae fue anunciada como innovadora por su capacidad para capturar consistentemente la riqueza de la piel negra en la cámara. Y es verdad: luces y marcos “inseguros” Rostros negros con calidez y belleza.

Pero la verdad es que los directores y directores de fotografía negros siempre han encontrado formas de filmar con piel negra con glamour. La ganadora de Barry Jenkins a la Mejor Película, “Moonlight”, filmada por su colaborador frecuente James Paxton, fue lanzada el año anterior, con sus tonos púrpura y azul que hacen que cada cara negra parezca una rica pintura al óleo. Desde el trabajo de Julie Dash y Spike Lee hasta los más contemporáneos Dee Rees y Ryan Coogler, podemos extraer una plétora de imágenes que capturan todos los matices de la piel oscura.

La diferencia ahora es que los cineastas blancos se han visto obligados a enfrentar sus defectos al intentar capturar rostros no blancos. Pero no se detiene ahí: las audiencias blancas también deben ser conscientes de este problema y de cómo ha afectado a los medios que consumen. “Prisma” es un primer paso necesario en esa conversación.

Dirigido conjuntamente por An van Dienderen, Rosine Mbakam y Eléonore Yameogo, “Prism” es un documental experimental y colaborativo de Bélgica que cuestiona la relación entre la cámara y los sujetos negros que captura en su ojo poderoso, contemplando así las implicaciones emocionales de un toda la población no es vista claramente por los demás e incluso por ellos mismos. En lugar de asentarse en las obvias conclusiones del racismo, cada cineasta considera la cámara como un instrumento de colonización. Empiezan por abordar el racismo inherente a la propia cámara, mientras el director blanco Dienderen habla de las “chicas chinas”: mujeres blancas que se utilizan como puntos de referencia para calibrar el equilibrio de color de las imágenes capturadas con la cámara.

Con ese conjunto estándar, no es de extrañar que los directores y directores de fotografía blancos tengan dificultades para darse cuenta de sus errores al capturar tonos de piel más oscuros. Pero, ¿qué pasa con la gente negra al otro lado de la cámara que son tergiversadas por sus imágenes? ¿Qué se siente al ser percibido de manera inexacta? ¿Cómo afecta eso la percepción de uno mismo?

Mbakam luego se hace cargo, explicando que la cámara tiene un vínculo directo con la colonización, simplemente en virtud de haber sido desarrollada dentro de un mundo colonizado. Aquí, la cámara se conoce como el “Norte”, una luz guía de cómo vemos el mundo entero. Proyectamos la verdad en ella, buscando respuestas en las imágenes. Esto coloca a quien sostiene la cámara en una posición de poder sobre el sujeto de su mirada. Cuando se apunta a una cara negra, la cámara decide cómo la vemos. Estamos a merced de la cámara, una herramienta imperialista desarrollada solo pensando en los poderosos.

Ella continúa resaltando cómo ser capturada de manera inapropiada lleva a las personas negras a cuestionar el color de su propia piel. Debido a la supuesta neutralidad de la tecnología, es demasiado fácil para nosotros culparnos no solo por descolonizar la cámara, sino también por la forma en que se enseña y se entiende el cine. En una conversación con un ex profesor, identifican a la escuela de cine como parte del “Norte”, conceptualizado por la influencia occidental. El desinterés por las imágenes negras se enseña a los cineastas, lo que les deja con la tarea de desaprender el sesgo.

A lo largo de la película, seguimos volviendo a la imagen de una mujer africana envuelta en un vestido blanco y un pañuelo a juego, mirando desafiante a la cámara. Ella se sienta erguida, con las manos colocadas formalmente sobre su torso. Cada vez que la vemos, la voz en off reflexiona sobre quién debe ser. Su estrella es provocativa, desafiándonos a que la asimilemos por completo. El tiempo que pasamos con ella es lo más destacado de la película, incluso cuando no dice nada en absoluto. Su piel es de un cálido tono chocolate, brillando a través de sus prendas blancas.

Es una imagen suntuosa, puntuada por el monólogo introspectivo de Mbakam, preguntándose en voz alta qué se necesitará para que esta imagen se convierta en el nuevo estándar. Posteriormente, esta imagen contrasta fuertemente con la del tercer director, Yameogo. Luego nos vemos obligados a mirar incómodamente mientras intenta colocar su rostro frente a la cámara de su computadora portátil. Un momento, podemos ver sus rasgos. Al siguiente, su rostro está envuelto en oscuridad. A medida que lucha, su expresión se vuelve cada vez más insegura. Para ser vista, debe trabajar contra la cámara para encontrarse a sí misma en la imagen.

Uno de los conceptos más fascinantes que explora la película es cómo los sujetos negros no ven la cámara como segura de la misma manera que los sujetos blancos. Los blancos confían en que la cámara les diga la verdad, mientras que los negros asumen, a menudo con razón, que nos mentirá. Para que los rostros negros confíen en la cámara, esa relación tiene que cambiar. Recalibrar el equipo que usamos para capturar imágenes es el primer paso en un largo proceso de reevaluación. “Prism” no nos proporciona respuestas fáciles, porque no puede. Esto es algo que todos debemos enfrentar juntos y ese enfrentamiento es continuo.

Grado B

“Prism” se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York de 2021. Icarus Films lo estrenará en Estados Unidos.

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