Hundir las manos en la arcilla, modelarla y apretarla, sentir la sensualidad de la manipulación manual, es una sensación gratificante y creativa. Mostrar la sustancia plástica que se filtra con fluidez a través de los dedos y darle forma a las semblanzas de personajes y escenarios, compartir las percepciones con los espectadores, es una habilidad cinematográfica artística. Fusionar técnica y poética, animación y narración, expresar con imágenes en movimiento los propios estados de ánimo, ansiedades y deseos o historias surrealistas y visiones morbosas de otros autores fuera del coro como Topor, pertenece al arte original de la animadora Izabela Plucińska.
Su película más reciente, Retrato de Suzanne (2019, 14’53 ”), basada en una novela de 1978 de Roland Topor, cuenta la historia de un hombre bulímico y pervertido que identifica obsesivamente su amor perdido con su pie izquierdo. Desde la apertura, el ojo se sumerge en una atmósfera ambigua, insegura entre una expresión de cerdo porcina y el vientre apretado y liberado real alrededor de su botón tan grande como una boca. Las manos del protagonista se agarran con angustia y autodesprecio, como un artista manipula y modela arcilla blanda.
Los recientes 39th Bergamo Film Meeting dedicó la retrospectiva de cine de animación de autor de este año a Plucińska. La cineasta stop-motion aprendió y desarrolló su arte primero en la Escuela de Cine de Lodz (Polonia), y luego en la Universidad de Cine Babelsberg Konrad Wolf en Potsdam (Alemania) donde se graduó con el cortometraje Sesión improvisada (2005, 9’31 ”). Basado en la obra de teatro de Maciej Zenon Bordowicz, Sesión improvisada fue galardonado con el Oso de Plata por cortometrajes en la Berlinale. En él, uno de sus temas recurrentes se perfila con franca sensibilidad: la difícil relación de pareja socavada por el aburrimiento, el hábito, la rígida rutina que, sin embargo, puede ser revitalizada por algo inesperado como una ráfaga de viento o alguna música penetrante del exterior. .
Plucińska habló con la autora sobre su última y más desafiante producción.
Lawrence Thomas Martinelli: Desde sus primeros cortometrajes como estudiante en Lodz hasta sus trabajos más recientes, ha habido un crecimiento constante en poética, estilo y técnica. ¿Cuáles son los pasajes clave de su itinerario artístico?
Izabela Plucińska: Gracias a la forma especial y desarrollada de animar (mis muñecos están sobre el cristal, la cámara está encima del cristal), logro lograr el efecto de una suave mezcla de colores e incluso “pintar” con plastilina. Mis películas tratan principalmente sobre las relaciones entre el cuerpo y la arcilla. De hecho, en todas mis películas aparecen situaciones similares, objetos, como un espejo, un periódico, una ventana. La razón por la que hago cuentos con arcilla es simple: quiero mostrar la obra como fuertemente conmovedora, sensual, corpórea, corporal, perfecta para representar en plastilina.
LTM: ¿Qué ha añadido a su animación el cambio a Alemania?
IP: Empecé a estudiar en Alemania, Babelsberg en 2003, cuando las cámaras digitales apenas comenzaban a utilizar la animación. En la escuela de cine de Lodz, solo trabajé con película de 35 mm en cámaras antiguas. Estábamos editando una película de 35 mm. La nueva tecnología trajo consigo un enfoque diferente para la creación de escenarios, el fondo, la edición y la animación. Mucho ha cambiado. La nueva tecnología nos ha dado más opciones. A veces hay tantas cosas que te puedes perder. Me alegro de haber podido comparar la película de 35 mm con la nueva Canon Eos digital.
LTM: De Bordowicz a Topor, y entre los animadores que comienzan con Švankmajer, ¿cómo te has inspirado hasta ahora?
IP: Švankmajer es mi maestro hasta ahora, me gusta mucho su magia y sus referentes políticos y sociales. Me gustan mucho las inusuales animaciones de Bruce Bickford hechas de plastilina y con música de Frank Zappa. Su animación muestra formas, imágenes, locura en constante evolución. Ciertamente, la historia de la animación polaca, que es muy rica, es importante para mí. Conozco muy bien las obras de Jan Lennica, Walerian Borowczyk o Zbigniew Rybczynski.
LTM: ¿Cómo afecta un acercamiento físico a la materialidad (la arcilla que tocas y modelas) tu realización cinematográfica?
IP: Trabajando con plastilina muchas horas al día tengo que estar relajado. Entonces es una actividad terapéutica. Tienes que estar de buen humor, desconectado de todo lo demás, lo suficientemente valiente como para concentrarte en los movimientos macro. Se trata de crear movimiento, observarlo y divertirse.
LTM: La música agrega un tono crucial a sus películas, desde el tango y las baladas folclóricas hasta el blues y el rock. ¿Cómo lo eliges?
IP: Sí, la música y los sonidos son muy importantes. Cada película es una historia diferente dependiendo de dónde estén los fondos. No tengo un compositor habitual. Tuve la suerte de trabajar en el National Film Board of Canada con Norman Roger en Lavandería sexy, en Berlín con Max Knoth en Esterhazy y de Bolonia con Andrea Martignoni en las películas Noche y 98kg.
LTM: Algunos elementos actúan como deus ex machina que cambian la situación, como el viento en la “trilogía de la vida cotidiana” de Sniadanie (Desayuno, 2006), Popoludnie (Tarde, 2012), y Abend (Noche, 2016). ¿Qué representan para ti?
IP: Los temas de mis películas son problemas de relación, incomprensión, soledad, alienación. A menudo, una coincidencia o una fuerza externa, como el viento, ayuda a superar el problema. Pero también una forma de plastilina, que va más allá de los límites de la lógica, puede hacerlo. Gracias a su especificidad, la plastilina exagera y distorsiona la realidad, al mismo tiempo que nos seduce con su suavidad e ilusión. Es bueno sorprenderse.
LTM: ¿De qué manera se relaciona tu trabajo creativo contigo?
IP: Estoy constantemente abierto a nuevos desafíos. Elegir libros para adaptar consiste en descubrir nuevas emociones, historias ingeniosas, buenos diálogos y finales interesantes. Además, para mí es muy importante el teatro, tal vez porque la mesa en la que trabajo es para mí un escenario teatral. Los actores son marionetas de plastilina. Depende de mí cómo cobran vida. Amo el teatro, especialmente el Teatro del Absurdo, y quiero llevar al público a un viaje por un mundo surrealista.
LTM: El otoño pasado, la generación más joven de estudiantes de animación en Lodz emprendió acciones artísticas en apoyo del movimiento de resistencia de mujeres polacas. ¿Cómo se relaciona con eso y con llamadas similares?
IP: Los estudiantes son maravillosos e hicieron películas tan rápido que aprendí después. Es bueno que los jóvenes quieran ser activos y valientes. Son grandiosos. Tales acciones son muy importantes. Muestran que la animación tiene un impacto en nuestras vidas. Puede cambiar algo. Estas películas han hecho ruido. Ese es el punto.
LTM: ¿A dónde vas de aquí en adelante?
IP: Actualmente estoy preparando una segunda adaptación del libro de Roland Topor. Joko. Es una historia muy poderosa, brutal e inteligente con humor negro. El nuevo proyecto es un estudio grotesco de la esclavitud y la deshumanización humanas. Muy fuerte. La técnica de la plastilina encaja perfectamente en el mundo de lo macabro. La gran convencionalidad de esta técnica no solo puede exagerar de manera realista la complejidad del personaje del protagonista, sino también mostrar con éxito la situación surrealista con su vulgaridad. No puede aburrirse trabajando con un texto de Topor. Espero sorprenderte. ¡En dos años tendremos el estreno! ¡De nada!
Lawrence Thomas Martinelli es un periodista centrado en la animación, el cómic y el cine. Enseña en la Universidad de Pisa y escribió Volumen II Documentario Animato (El documental animado, Tunué 2012).