Las mejores películas de 2021 hasta ahora

Las salas de cine están reabriendo y el público está retrocediendo, pero eso es solo una parte de la historia. Al igual que con los impactantes cambios del año pasado en el panorama de los medios, ninguna cantidad de cierres y paradigmas de distribución cambiantes podrían evitar que las películas salgan, ya sea que lleguen a pequeñas entidades de VOD o a las plataformas de transmisión más grandes. Y mientras el debate “películas versus televisión” continúa, el del cine no lo ha hecho.

El calendario de lanzamientos de este año ha estado tan cargado de maravillas de largometrajes, muchas de las cuales traspasan los límites de la forma de arte, que incluso cuando nos dirigimos directamente al vientre de la bestia de la “temporada de premios”, nuestro edicto habitual permanece intacto: cualquiera que piense Este ha sido un mal año para las películas, simplemente no ha visto suficientes películas. Y solo quedan más golosinas por venir.

Nuestra lista de las mejores películas del año hasta ahora sigue las mismas reglas básicas: para calificar, una película debe haber sido estrenada en cines norteamericanos durante al menos una semana o en una plataforma VOD en el mismo territorio. Eso significa que tenemos las sobras de festivales habituales del año pasado que finalmente llegaron al público, nuevos títulos de festivales anteriores que ya se han lanzado, todo junto con un puñado de títulos que se materializaron en los últimos meses. También significa que no podemos incluir películas que ya hemos visto y adorado que aún no se han estrenado, incluso si están a la vuelta de la esquina, incluidas algunas de nuestras favoritas de Cannes, Telluride, Venecia, TIFF y NYFF.

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Ahora es el momento de ponerse al día, ¡disfrútelo!

“Acerca de la infinitud”

Hay algo graciosamente seco en la idea de una película de 76 minutos llamada “About Endlessness”, pero Roy Andersson no está bromeando. Bueno, no solo está bromeando. Un renegado sueco cuyos dioramas puntillistas de la condición humana se ensamblan con gracia de la misma manera que los paisajes de George Seurat fueron pintados con puntos, a Andersson siempre le ha divertido lo absurdo de la vida en la Tierra. Pero si incluso el título de la última película de Andersson suena como una broma irónica, también debe tomarse al pie de la letra.

La película menos divertida y tierna que ha hecho el cineasta de “Songs from the Second Floor” desde que construyó su propio estudio con los beneficios que había ahorrado tras décadas de trabajo comercial de enorme éxito, “About Endlessness” adopta las mismas cualidades de la vida misma. : es corto e infinito. Se acaba en un abrir y cerrar de ojos y, sin embargo, parece que podría durar para siempre. Hay escenas de absurdo y escenas de pérdida. Hay escenas de dolor y, de una manera mucho más pronunciada que en cualquiera de las películas anteriores de Andersson, escenas de alegría.

En una línea de tiempo lo suficientemente larga, estos diversos episodios se aplanarán en el mismo tamaño minúsculo. Y sin embargo, incluso en este momento, Andersson ya les ha otorgado casi la misma importancia. Como un Scheherazade con cara de piedra, Andersson se detiene tan pronto como está claro que puede sobrevivir a nosotros. -DELAWARE

“Anne a 13.000 pies”.

La ambigüedad de la película está cuidadosamente elaborada, resultado de una colaboración entre su director y la estrella. Deragh Campbell, quien improvisó gran parte del diálogo durante su período de producción y taller de dos años, recibe un crédito de escritura junto a Kazik Radwanski, quien creó el papel específicamente para ella. Juntos, los dos generan un estudio de carácter altamente cinético que se niega a asentarse en un determinado estado de ánimo o atmósfera emocional.

Al igual que John Cassavetes y Gena Rowlands en “A Woman Under the Influence”, el dúo logra rociar sin esfuerzo extraños momentos de humor en los conflictos emocionales más inquietantes, mostrando cómo es posible experimentar dos emociones opuestas a la vez. No es poca cosa canalizar la misma energía que alguien como Rowlands, pero las similitudes entre el gran actor y este prometedor son asombrosas. —Susannah Gruder

“Annette”

Cortesía de Amazon Studios

Antes de que “Annette” se sumerja en 140 minutos y pico de canciones de mal humor y giros tragicómicos desmayados, el director Leos Carax se hace cargo. Con una voz en off quejumbrosa, aconseja a sus espectadores que “contengan la respiración hasta el final del programa”. Es exactamente el tipo de petición imposible que tiene sentido para esta fantasía musical alucinante: “Annette” no solo te deja sin aliento; mantiene su aliento como rehén hasta que los créditos lleguen.

Combinando las energizantes composiciones de Sparks con la siempre enigmática creatividad de Carax, “Annette” potencia a través de su expresiva concepción de ópera rock con un propulsor Adam Driver en el centro. Canta prácticamente todas las escenas como si el mundo dependiera de ello. Y para los propósitos de esta película, sí: el primer esfuerzo como director de Carax que no escribió, “Annette” gira en torno al equilibrio peculiar de las composiciones de Sparks, el estilo operístico de Carax y la actuación desquiciada de Driver como un comediante condenado al fracaso. . Claro, también hay un bebé de madera que canta y el corte ocasional de un gorila melancólico, pero todos existen para apoyar la causa más grande.

Como un viaje experimental puro expresado por completo a través de la canción, “Annette” funciona a trompicones y comienza con la misma mezcla surrealista de belleza inquietante y humor seco y absurdo que Carax aportó a “Holy Motors”. A veces, cambia el misterio cósmico de esa película por un arco narrativo más contundente. Aparentemente, Sparks ha estado tratando de aplicar su atractivo talento como compositor al cine durante décadas, en un momento incluso tramando con el fallecido Jacques Tati, pero su buena fe musical no equivale a un guión convincente. Aún así, maravíllate con estos defectos y el atractivo de “Annette” cobra vida: con una historia menos cautivadora que la forma espectacular en que se desarrolla, la película a menudo existe en conflicto consigo misma, y ​​el desorden es su mayor activo, ya que Carax y su musical Los compañeros trazan la trayectoria de un hombre afectado por la misma condición exacta. —EK

“Barb & Star Go to Vista Del Mar”

Parece extraño considerar cualquier película como un clásico de culto instantáneo, pero “Barb and Star Go to Vista Del Mar” es un caso atípico, un ensamblaje denso y defectuoso. de humor estrafalario que la gente felizmente romperá por años por venir. Golpes y todo, “Barb and Star” es una combinación totalmente inesperada de “MacGruber”, “Pop Star” y “Despicable Me” (sí, de verdad) que opera completamente en su propia longitud de onda. Afortunadamente, la mayoría de esa longitud de onda tiene resultados histéricos, lo que resulta en un paquete ansioso por complacer que arroja def líneas diseñadas para infligir el máximo daño cómico (una broma sobre “bebés águila calva fritos” es imposible de contextualizar, pero es los asi quert de cosa que dejó a este crítico sin aire) antes de pasar rápidamente a otra nueva y loca pieza.

Kristen Wiig y Annie Mumolo, quienes escribieron los película y protagonizarla como los Barb y Star, del mismo nombre, parecen comprensiblemente emocionados de darle vida a esta locura. los par, según se informa, cocinó lo que se convertiría en Barb y Star: amigas bondadosas de “Entoncesft Rock, Nebraska ”que nunca se han ido losen su pequeña ciudad, mientras creaba “Damas de honor”, primero imaginaba los dúo inseparable como un solo personaje (supuestamente la madre del personaje de Maya Rudolph) que se deleitaba con su vida aparentemente común.

Pero mientras eso asi queunds como los asi quert de algo maduro para bromas baratas y golpes malos, Wiig y Mumolo tienen un afecto obvio por lossus avatares de BFF, y la fidelidad de Barb y Star a lossu vínculo es los El cine es un elemento inmutable. Tanto una oda amorosa a la amistad, una excusa para aprender todo sobre la excelente habilidad para cantar de Jamie Dornan, y los comedia rara que parece destinada a tener los el mismo poder de permanencia que los por lo demás incomparables “damas de honor”. —KE

“Bo Burnham: Inside”

Sabemos lo que estás pensando: ¿un especial de comedia en una lista de las mejores películas del año? Pero mira, si has visto “Bo Burnham: Inside”, sabes que el “especial de comedia” no es suficiente. Con su tiempo de ejecución de 90 minutos y su arco experimental libre, Burnham esencialmente ha elaborado una película de micropresupuesto sobre el último hombre en la Tierra que acepta una realidad que ya se ha escapado de su alcance. En cuarentena y despeinado desde la primera escena, se desliza a través de extrañas melodías y monólogos sobre los tiempos modernos, lo que resulta en una hilarante crisis de conciencia enloquecida.

¿Cómo se crea el escapismo cuando escapar ya no es una opción? Burnham giró la cámara hacia sí mismo. El larguirucho comediante convertido en cineasta ha estado realizando trabajos musicales irónicos desde su adolescencia, pero la pandemia lo obligó a reconsiderar su enfoque. Si bien “Bo Burnham: Inside” ha sido catalogado como una comedia especial sorpresa de Netflix de un tipo que ha hecho algunas, en realidad es una inmersión de largometraje mucho más extraña y profunda en las ansiedades de un año en el que la idea misma de un ” especial de comedia ”sonaba como una causa perdida. El resultado es más Charlie que Andy Kaufman, ya que “Inside” se convierte menos en jugar con la audiencia que sumergirlos en los contornos de la mente conflictiva de Burnham, extrayendo observaciones brillantes y mordaces en el proceso.

Burnham escribió, dirigió, editó y protagonizó esta fantasía musical minimalista, filmada exclusivamente en su casa en Los Ángeles durante el año pasado, y el resultado es una impresionante hazaña técnica de un solo hombre cargada de giros surrealistas y comentarios densos bajo la apariencia de bromas de segundo año. Justo encima de su encantadora sonrisa se esconde una mirada inquietante, y el viaje subsiguiente se prolonga entre esos dos extremos, mientras Burnham se acerca mucho a divertirse hasta la muerte. Puede que esté en conflicto con el mundo en estos días, pero hay mucho que aprender de verlo entenderlo. —EK

“¿Puedes traerlo?”

Si no se hubiera convertido en uno de los grandes coreógrafos de danza moderna de los últimos cincuenta años, Bill T. Jones podría haber sido un poeta. Como deja muy claro su obra, a menudo trascendente, la mejor danza es la poesía en movimiento, su máxima aspiración como forma de arte de utilizar el cuerpo para expresar lo que el lenguaje no puede. Aún así, como lo demuestra un discurso bastante notable utilizado para abrir “Can You Bring It: Bill T. Jones and D-Man in the Waters”, un nuevo y conmovedor documental sobre una de sus obras más perdurables, Jones podía bailar con sus palabras, también.

“Somos tan buenos como nuestra última actuación”, dice en un discurso de aceptación en los premios Bessie de 1989, menos de un año después de que su socio Arnie Zane se rindiera a las complicaciones del SIDA. “Todos vamos a morir. Soy un hombre negro. Me obsesiono. Mi madre vive sola. Arnie está muerto. La empresa está conmigo. Estoy asustado.”

Alguien en la multitud grita algo incoherente, palabras de apoyo sin duda, y la tensión desgarradora es traspasada por aplausos. Es una apertura fuerte que establece un listón alto para lo que sigue, y aunque la película en sí no puede estar a la altura del escalofrío de ese momento, captura la emocionalidad de la danza tan bien como cualquier película, incluso encontrando algunos electrizantes. momentos que alcanzan y agarran el corazón. —Jude Dry

“El contador de cartas”

Lo fascinante de “The Card Counter”, lo que lo convierte en un nuevo riff de la fórmula habitual de Paul Schrader y, en general, lo absuelve de carecer del poder trascendente de un “First Reformed”, es que William Tell (Oscar Isaac) en realidad está tratando de funcionar. una respuesta clara. Está tratando de tomar la expiación en sus propias manos y vivir para disfrutarla. Las matemáticas son más absolutas con el blackjack que con el hold ’em, pero un buen jugador de póquer puede mirar a través de las cartas, y William no es más que un buen jugador de póquer.

Si puede ver el alma de otra persona, tal vez pueda ver la suya propia. Y si puede ver dentro de su propia alma, lo más probable es que incluso pueda arreglarlo desde el purgatorio de su propia existencia antes de que el cielo y el infierno tengan que involucrarse.

La diferencia entre “Primero reformado” y “El contador de cartas” es la diferencia entre preguntar “¿Dios nos perdonará?” y “¿podemos perdonarnos a nosotros mismos?” No se trata de potencialidad, sino de posibilidad. La última de Schrader todavía está bautizada con el mismo ascetismo religioso que recorre muchas de sus películas, pero su hombre solitario solo se centra en las cosas que puede controlar. -DELAWARE

“CODA”

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