Cómo el director Jeremy Polgar animó un proyecto astronómico para AREA21

¿Cómo se aseguran un par de célebres productores de música un toque para su álbum debut como dúo? Esta semana vio la culminación de una estrategia fuera de este mundo: una serie de siete videos musicales animados lanzados durante un lapso de meses, atrayendo al público a las optimistas aventuras de dos visitantes interestelares. Creado para Grandes éxitos vol. 1 de AREA21 (el aclamado DJ Martin Garrix y el cantante, compositor y rapero Maejor), el proyecto episódico culminó el viernes programado para el lanzamiento del álbum, culminando una expedición acelerada pero gratificante para el director. Jeremy Polgar y estudio galardonado Titmouse, Inc.

Ahora que está de regreso en Terrafirma, nos reunimos con Polgar para saber más sobre cómo este ambicioso proyecto despegó en menos de un año, con la ayuda de 60 artistas que aportaron sus talentos de 10 países diferentes:

Revista de animación: ¿Puede decirnos cómo se involucró con el proyecto AREA21? ¿Cómo surgió todo esto?

Jeremy Polgar: Antonio Cannobio, director creativo de Titmouse, se acercó a mí para dirigir el proyecto. Recibí un mensaje de texto de él diciendo que Titmouse iba a hacer una serie de videos musicales para la legendaria superestrella del EDM y el rapero / cantante compositor / productor musical estadounidense, Maejor. Estaba trabajando a tiempo completo y le pregunté a Antonio cuándo tendría que empezar. Dijo “dos semanas” y soltó una risa ligeramente nerviosa. Le dije que me pondría en contacto con él en la próxima hora con una respuesta real.

Después de digerir la información, entendí que esto era una obviedad y que sería algo muy único y emocionante para participar y experimentar. Siempre quise hacer showrun en algo en lo que tenía muchas aportaciones, y esta era mi oportunidad. Más tarde descubriría que el proyecto en su conjunto superaría diez veces mis expectativas.

¿Cuánto tiempo se tardó en hacer los videos y cuántas personas trabajaron en ellos?

¡Hicimos más de seis de estos chicos malos en el lapso de nueve meses! Eso incluye los primeros dos meses de desarrollo artístico y el embarque del primer video, “La La La”. Cerca de 80 artistas increíblemente talentosos de todo el mundo trabajaron en los videos musicales.

¿Qué tipo de herramientas de animación usaste para crear la animación?

Usamos Adobe Animate, Photoshop, Premiere, After Effects, Blender, TVPaint y Toon boom Harmony para producir los videos musicales de AREA21. También hicimos los tableros en Storyboard Pro y ocasionalmente redactaba ideas en mi iPad usando Clip Studio Paint.

Los animadores podían hacer sus cortes utilizando cualquier programa con el que se sintieran cómodos trabajando, siempre que convirtieran las secuencias PNG exportadas de sus capas para que nuestros animadores de retoma internos las volvieran a compilar en Animate. Este enfoque nos permitió ampliar nuestra red de talentos …

¿Cómo decidiste los estilos visuales de los videos?

Cada video tenía una vibra y una narrativa diferentes. Originalmente, Martin y Maejor escribieron una o dos frases para los videos y luego Mark Brooks (Director Creativo, Titmouse) lo expandió en un esquema escrito de una página. Fue intencionalmente vago, pero aún así estaba bien estructurado, por lo que nos dejó mucho espacio para profundizar en nuestra imaginación y no solo encontrar el estilo visual del video, sino también el corazón del mismo.

Sin embargo, antes de que yo o cualquiera de los otros cuatro artistas de la junta interviniera, haría un fotograma de estilo genial o dos para cada video, y eso se tradujo muy bien para todos ellos. Hice eso para todos los videos excepto para “Time Machine”, donde hice que Stephanie Ressler manejara los marcos de estilo ya que ella iba a abordarlo y yo tenía poco tiempo.

¿Cuál fue su mayor desafío en esta gran empresa?

Cada pieza de este proyecto gigante fue importante. El mayor desafío fue tratar de administrar qué priorizar, empujar a todos y a mi propia imaginación, mantener la moral de la tripulación y cumplir ese plazo.

Para ello, desarrollé el Sistema de Liderazgo ART (Responsabilidad, Respeto y Confianza). Gran parte del éxito se puede atribuir a este sistema, que sigue mi conjunto personal de valores de gestión que he aprendido a lo largo de los años de trabajo en producciones buenas y malas. (Para obtener más información, consulte esta presentación, que también ofrece una mirada entre bastidores a la producción).

¿Cómo seleccionó a los artistas que se unieron para este proyecto?

Para ser honesto, estaba increíblemente listo para esta oportunidad. Antes del proyecto, ya estaba recopilando nombres y nombres de artistas, animadores y directores con los que quería trabajar si alguna vez conseguía que mi propio proyecto se llevara a cabo. Esta fue una situación bastante similar. Entonces, mi productor de línea / copiloto Riley Riggen y yo comenzamos allí. Después de revisar unos 80 nombres, tuvimos que seguir investigando en la web, principalmente navegando por perfiles en Twitter e Instagram.

Encontramos mucha suerte cuando contactamos a un par de mis héroes de la animación argentinos, Diego Polieri y Damian Fernandez Gomez. Les preguntamos a nuestros nuevos amigos si podían recomendarnos a otros animadores argentinos, así como a otros artistas de América Latina. Esto se convirtió en nuestra gracia salvadora a la hora de armar nuestro equipo de animación. Teníamos un equipo de animación increíble de todo el mundo que estaba ubicado en 10 países diferentes, incluidos Canadá, Francia, Australia, Japón, Argentina, México, China e Indonesia.

¿Qué te encantó de estos videos?

Me encanta que son lleno lleno de detalles interesantes y divertidos. No solo en las imágenes, sino también en la sutil profundidad del mensaje. Me encanta lo mucho que queríamos sacar el máximo partido de cada vídeo.

¿Cómo se te ocurrieron imágenes temáticas que conectan todos estos videos?

Desde el principio, supe que las imágenes temáticas guiarían todo. Hice lo mejor que pude para configurar el mundo, el lenguaje visual, las reglas y la base general en el primer video, “La La La”, y luego siguió expandiéndose desde allí. Pronto pudimos lanzar los conejitos de “Pogo” a cualquier cosa, descubrir una trama secundaria completa con Lady T que no existía antes de la producción y plantar bromas al astronauta que nunca pudo arreglar el satélite que nuestros chicos destrozaron. en el primer video. Además, el equipo y los clientes se entusiasmarían y lanzarían muchas ideas divertidas que podríamos incorporar en cada video. Es una narrativa divertida y suelta, pero cuando llegas a “Time Machine”, el viaje realmente se siente completo.

¿Qué hay de esas túnicas rosadas de Versace?

En una de las llamadas de la madrugada del lunes, Martin se retrasó unos minutos. Naturalmente, le preguntamos si estaba haciendo algo genial y, para sorpresa de nadie, ¡lo hizo! Nos sorprendió cuando se inclinó hacia atrás para mostrarnos que se acababa de comprar una bata rosa de Versace con ribetes dorados en los puños. ¡Todos quedamos impresionados! Recuerdo que Maejor estaba en la llamada y estaba desanimado porque esa era la semana en que se suponía que debía visitar a Martin, pero no pudo asistir. Martin le aseguró que él también se haría con uno. Un par de semanas después, vimos a Maejor y Martin luciendo enfermos con sus túnicas rosadas de Versace. ¡En diciembre, los jefes de producción y yo recibimos la misma túnica rosa de Versace en nuestra puerta! Qué gesto tan increíblemente amable de Martin y su personal. Todos estábamos encantados y abrumados por el acto e inmediatamente le enviamos selfies de nosotros en la túnica.

La túnica, por supuesto, se puso en una de las últimas escenas de “Pogo” y se convirtió en una broma interna dentro de la producción. Muchos de nuestros clientes potenciales y Martin y Maejor todavía usaban la túnica en esas llamadas de los lunes.

¿Te perdiste esas reuniones de los lunes por la mañana después de que se terminó la producción?

Creo que todos lo hicimos; sin embargo, me sorprendió mucho lo mucho que Martin y Maejor los extrañaron sinceramente. Aproximadamente una semana o dos después de que terminó la producción, recibí una llamada FaceTime aleatoria en mi iPad, lo que nunca sucede. Respondí y fueron Maejor y Martin juntos en los Países Bajos saludándome con un saludo muy cálido. ¡Dijeron que perdieron las llamadas del lunes y que necesitaban llamarme! [Laughs] Me sentí tan honrado.

¿Qué tipo de respuesta ha tenido hasta ahora?

Estoy agradecido de decir que ha sido muy positivo tanto de los fanáticos de la música como de nuestros compañeros que trabajan en animación.

¿Cuál fue la lección más importante que aprendiste de este increíble proyecto?

Gracias por la amable redacción. La mayor lección aprendida al trabajar en este proyecto es el poder de la positividad, la colaboración y responsabilizarnos por nuestras acciones y decisiones. Además, es importante hacer todo lo posible para validar a su tripulación. Los mensajes que se transmiten en los videos (colaboración, amistad y una conexión humana edificante) encapsulan el proyecto a la perfección. La energía positiva genera un resultado positivo y, en última instancia, de eso se trata AREA21.

Puede ver la serie completa de videos musicales en el Canal de YouTube AREA21. Escucha y descarga las canciones de AREA21 Grandes éxitos vol. 1 aquí.

Desglose episódico:

• “La La La” (lanzado el 9 de abril): La primera salida muestra a los viajeros extraterrestres transportando gente infeliz a su nave espacial para una fiesta intergaláctica improvisada, usando música para unir y mejorar su estado de ánimo. El final del video los ve estrellando accidentalmente la nave espacial en el planeta Tierra donde comienza la verdadera aventura. “La La La” habla de la importancia de ser tu verdadero yo, seguir tu voz y elegir tu camino desde un lugar de ensueño y asombro, sin miedo, mientras que la letra celebra ser diferente y bloquear la negatividad.
• “Pogo” (21 de mayo): Los dos viajeros alienígenas M & M que se estrellaron aterrizaron en #arth, parados en su nave espacial recientemente estrellada y huyendo de la ley. Su escape incluye un modo de transporte muy poco ortodoxo, un grupo de héroes inverosímiles y los lleva al lugar perfecto para escapar de todo: Las Vegas, cariño.
• “Mona Lisa” (18 de junio): Después de sus aventuras en Las Vegas, los extraterrestres hacen un viaje al Louvre en París. Flotando a través del espacio exterior, vemos su punto de vista mirando hacia las luces parpadeantes de las ciudades de la Tierra.
• “Amar cada minuto” (27 de agosto): “Con tu energía y espíritu, puedes cambiar el estado de ánimo de alguien simplemente con la forma en que lo tratas”. A M & M les encanta cada minuto de su tiempo aquí en la Tierra. El video detalla su viaje hasta ahora, desde el aterrizaje forzoso en el desierto de Nevada, siendo perseguido por la siniestra Lady T hasta la fiesta en Las Vegas y flotando por el Louvre en París, e insinúa lo que está por venir.

• “Seguidores” (17 de septiembre): M & M ha podido observar a los humanos tanto desde lejos como de cerca. Con “Seguidores”, hablan sobre el beneficio de vivir la vida en tiempo real en lugar de quedar hipnotizados por sus dispositivos. En el video musical, AREA21 destaca las presiones que pueden surgir de vivir su vida a través de las redes sociales y anima a todos a mirar hacia arriba y disfrutar del mundo que los rodea.
• “Poseer la noche”(15 de octubre): El dúo alienígena ha llegado a Hollywood y está sorprendido por las muchas máscaras que los humanos se ponen para ajustarse a las normas de la sociedad.
• “Máquina del tiempo” (12 de noviembre): El último video animado de la serie es una mirada melancólica a los primeros años de los viajeros extraterrestres M&M, la adolescencia, así como un resumen de su viaje hasta ahora aquí en la Tierra, y presenta algunos de los personajes que ellos ‘ me he encontrado en el camino. En la canción, contemplan volver a revivir simples momentos de su juventud pero al final se dan cuenta de que disfrutar de la vida en el momento es lo más importante.