Entre las realidades ineludibles de la vida en la tierra se encuentran la soledad y, como contraparte y remedio en algún momento, las ilusiones. En el cortometraje 3D / CG sin diálogos bellamente diseñado y conmovedor Soy un guijarro (Je suis un Caillou), Bubble, una nutria huérfana, se ocupa de su existencia solitaria creando una familia imaginaria a partir de las tres piedras cubiertas de musgo con las que comparte su hábitat natural.
Creado por Mélanie Berteraut Platon, Yasmine Bresson, Léo Coulombier, Nicolas Grondin, Maxime Le Chapelain y Louise Massé – seis estudiantes de la prestigiosa Ecole supérieure des métiers artistiques (ESMA) en Montpellier, Francia – Soy un guijarro ha recibido múltiples premios, incluido el Mejor Proyecto de Estudiante en SIGGRAPH y el Premio a la Mejor Animación en el Festival de Cine HollyShorts, que lo calificó para la consideración del Oscar.
Para saber cómo tantos cocineros lograron producir un caldo tan excepcional, hablamos con el codirector Maxime Le Chapelain sobre la producción de Soy un guijarro y cómo fue ser parte de una empresa tan colaborativa.
Tómate unos minutos para disfrutar de esta encantadora película y de la entrevista que sigue:
ARISTA: ¿Qué te inspiró a hacer esta película en particular? ¿Hay temas específicos que sean importantes para usted y que quisiera explorar?
Maxime Le Chapelain: Todo empezó con la imagen mental de una nutria jugando con un guijarro que ella considera igual, así como los ríos de la campiña francesa, que me gustan mucho por su calma y todas esas piedras cubiertas de musgo. Además, en ese momento, estaba pensando mucho en cuestiones de identidad y en cómo la familiaridad y la compasión pueden aparecer en todas partes, incluso con un guijarro. Eso es lo que me interesó.
ARISTA: La película tiene una calidad muy pictórica e impresionista, y logra un delicado equilibrio entre el naturalismo y la estilización. ¿Hay estilos o artistas específicos que te hayan influido?
MLC: El tono y la historia exigían cierta inocencia y modestia que encontramos en la hermosa película de Alê Abreu. Niño y el mundo y Trevor Jimenez’s Fines de semana – sus diseños logran ser muy expresivos con mínimos recursos. También nos inspiramos en el estilo pictórico y suave de Gop Gap y Tonko House. Para la animación en sí, las influencias van desde El cuento de la princesa Kaguya de Isao Takahata a Glen Keane’s Dueto, sin buscar realmente copiar la energía de uno u otro.
ARISTA: ¿Cómo fue el proceso de desarrollo?
MLC: Lo primero que vino fue la naturaleza de los protagonistas, la nutria y el guijarro, y su relación. Sus personajes no estaban realmente definidos, pero a través de las discusiones con Yasmine Bresson, la historia se volvió sobre la familia, la identidad y cómo una nutria y un guijarro pueden estar más cerca de lo que piensas. El entorno también ayudó a estructurar la historia, con las estaciones transmitiendo la progresión emocional de los personajes y la película. Y el río fue un escenario natural para mostrar a las nutrias conviviendo con otros animales como pollas de agua, erizos y pájaros, lo que nos ayudó a acentuar el tema familiar, y la soledad del personaje principal.
ARISTA: ¿Cómo dividió y coordinó el trabajo entre los seis directores?
MLC: Desde el primer día de preproducción, hablamos sobre las necesidades de la película y nuestras preferencias individuales, con el fin de distribuir los roles y responsabilidades. Algunas fueron por la duración de la producción y otras fueron sucesivas. Esta especialización requirió mucha coordinación, mucha comunicación todo el tiempo. Nos ocupamos de los problemas juntos en la medida de lo posible, además de estar atentos a las necesidades de quien venía después en la cadena. Todo ello permitió tener coherencia en todo el proyecto, en todos los niveles, porque cada toma es el resultado del trabajo de todo el equipo.
ARISTA: ¿Todos tenían la misma opinión?
MLC: Sí, desde el momento en que definimos nuestros roles y objetivos, todos podían presentar su punto de vista o hacer una pregunta. Todo se envió a todo el equipo y se discutió con todos cuando tuvimos tiempo, y nos tomamos mucho tiempo para eso.
ARISTA: ¿Qué técnicas se utilizaron en la creación de la película?
MLC: El inicio de la producción se hizo de una manera muy clásica, desde el modelado hasta la iluminación, pero con algunos extras, como la creación de texturas pintadas a mano y en bucle para ayudar con el look pictórico final que buscábamos. La mayor parte de la animación se hizo en dos o menos para crear esa sensación 2D, y la mayoría de los efectos especiales los hicimos a mano en 2D.
Por último, pero no menos importante, para el proceso de composición utilizamos un guión escrito por Léo Coulombier que muestreaba cada imagen para aplicar pinceles específicos elegidos por unos pocos parámetros: la luminancia del píxel muestreado, el color, la profundidad en el espacio 3D y también algunos ajustes precisos. para obtener detalles como los ojos para asegurarse de que sean legibles todo el tiempo. Cada toma requirió diferentes configuraciones y la resolución de problemas nuevos o inesperados, lo que a veces llevó a repensar todo el proceso.
ARISTA: ¿Cuáles fueron los mayores desafíos al hacer la película?
MLC: Como puede adivinar, el proceso de composición para lograr este efecto de pincel fue uno de nuestros principales desafíos, y fue una parte muy emocionante del proyecto que requirió mucho desarrollo durante toda la producción. Al principio, no estábamos seguros de poder hacerlo como queríamos, pero teníamos un gran equipo y, con paciencia, funcionó.
El otro desafío fue desarrollar y encontrar el tono de la historia. Intentábamos transmitir el conflicto interno del protagonista, y era difícil encontrar un equilibrio entre un enfoque naturalista, que limita las posibilidades de dramatización, y algo más expresivo que traiga a la pantalla el viaje interno de la nutria, pero que podría perder al espectador. Encontramos la solución en construir lentamente la emoción de la historia al revelar gradualmente más y más del viaje del personaje y simplificar la narrativa al mantener solo las tomas más esenciales en cada escena.
ARISTA: ¿Qué es lo que más te gusta de la película?
MLC: Lo que más me gusta de la película es algo que puede ser algo esotérico, pero es cómo manejamos esas piedras cubiertas de musgo. Siempre los consideramos personajes y nunca dudamos de su realidad. Incluso escribí una versión de la historia desde la perspectiva del pequeño, llamado Moss, que me encantó. Los amamos como personajes y los enmarcamos como personajes, por eso son los protagonistas más interesantes para mí, aunque, o porque, no pueden hacer nada. Podemos empatizar con ellos y ver cómo su propia existencia significa tanto para Bubble.
ARISTA: ¿Qué esperas que un espectador se lleve la película?
MLC: Espero que encuentren una forma de ver la belleza que los rodea, el deseo de cuidar la naturaleza y abrazar todo lo bello y contradictorio del mundo.
Jon Hofferman es un escritor y editor independiente que vive en Los Ángeles. También es el creador del cartel de compositores clásicos, un gráfico de línea de tiempo de música educativa y decorativa que es un regalo maravilloso.