El cineasta honra una obra sagrada de teatro musical flexionando sobre ella algunos de los escenarios más emocionantes que jamás haya filmado, pero hay un puñado de pasos en falso desconcertantes.
Steven Spielberg nunca había dirigido un musical antes de su nueva adaptación audaz y ocasionalmente impresionante de “West Side Story” y, sin embargo, a veces parece que son el único tipo de película que ha hecho. Las imágenes de Spielberg bailan con tanta fluidez con el sonido que las rodea que puede ser imposible separar las dos. Es posible que Indiana Jones no estalle en una canción durante “En busca del arca perdida”, pero sus aventuras se escenifican con un expresionismo parecido a una danza que evoca a “Un estadounidense en París” tanto como a un arqueólogo en Perú. “Las aventuras de Tintín” puede que no sea el tipo de espectáculo animado que la gente tiende a asociar con las princesas de Disney, pero la Casa del Ratón nunca ha dibujado nada que se mueva con un ritmo y una métrica tan cinéticos. Su interpretación de “El color púrpura” fue tan teatral que inspiró un gran espectáculo de Broadway, su “Atrápame si puedes” tan melódico que inspiró uno malo, y su “Parque Jurásico” tan genéticamente vinculado a su partitura de John Williams. que proporcionó música temática durante todo un período geológico.
En otras palabras, el tipo ha estado ensayando para este momento desde que “West Side Story” se adaptó por primera vez a la pantalla grande en 1961. Ahora que ha dado su propio impulso al clásico de Sondheim y Bernstein más de medio siglo después, es conmovedor. y perversamente emocionante descubrir que su riff a pleno pulmón en uno de los mejores musicales jamás representados a menudo se siente como una película más de Steven Spielberg; una película tardía de Steven Spielberg que ha sido desaturada a una pulgada de su vida y sellada dentro de una burbuja de plástico digital, pero una película de Steven Spielberg de todos modos.
Eso podría haber sido un problema, o al menos un cumplido ambiguo, si el material original fuera menos mágico, pero estos huesos shakesperianos duraderos y fuertes prácticamente suplicaron a un cineasta moderno que les prestara algunos músculos nuevos. Spielberg estuvo feliz de complacer, honrando una obra sagrada de teatro musical flexionando sobre ella algunos de los escenarios más emocionantes que jamás haya filmado. Se necesita descaro para volver a imaginar una canción como “Cool” como telón de fondo para una pelea de baile a la par con cualquier cosa en “Crouching Tiger, Hidden Dragon”, y la visión para hacer que una canción cansada como “I Feel Pretty” parezca esencial para María (en ¡Tu cara, Ivo van Hove!), y el revelador guión de Tony Kushner invita a Spielberg a buscar oportunidades como esa en todo momento.
El mismo enfoque de adaptación reverentemente agresivo que permite momentos tan discretos de genialidad también fortalece el musical en su conjunto, ofreciendo a esta “West Side Story” un sentido de contexto más rico que cualquier versión anterior del programa que se haya permitido antes, y no solo porque Spielberg pudo filmarlo en las calles reales de Nueva York con un elenco de actores latinos reales que a menudo hablan en español real (sin subtítulos). Pero por todas las formas en que Spielberg mejora Broadway, y por todas las formas en que Broadway le da poder a Spielberg a cambio, los aspectos cruciales de esta película están atrapados en una tierra de nadie entre los dos, incómodamente enganchados entre el escenario y la pantalla.
Y por “aspectos cruciales” me refiero a “el romance entre Tony y María que le da a todo su propósito narrativo”. Qué extraño es ver una versión de “la historia de amor más grande jamás contada” que saca el alma de su cuerpo cuando sus personajes simplemente continúan con su vida diaria en el primer acto, pero lo deja con poco más que una sacudida de emoción cuando muere inevitablemente en el segundo.
“West Side Story”
Sin embargo, cuando esta “West Side Story” es buena, puede ser asombrosamente genial. Esa grandeza está en plena exhibición desde la toma de apertura, que modifica el inimitable prólogo sin palabras de la película de 1961 lo suficiente como para justificar hacerlo todo de nuevo. Lo primero que vemos es algo que hubiera sido imposible para la versión anterior, y no solo porque es parte de una toma aérea asistida por computadora que recorre los escombros de los vecindarios del Upper West Side que Robert Moses creó para construir. Lincoln Center, sino más bien porque la cámara salta sobre una maqueta de la instalación completa como se veía cuando se inauguró en 1962. El mensaje es claro: esta es la “West Side Story” que conoces y amas, solo revitalizada por la distancia que Robert Wise y Jerome Robbins nunca consiguieron.
Ese aura, joven y viva sin apoyarse en la nostalgia o sentirse como un anuncio de Gap, solo se intensifica cuando los Jets y los Sharks comienzan a enfrentarse en las ruinas de la casa que les habían prometido a ambos. El combate de baile que Justin Peck coreografió en homenaje a Robbins no es menos elegante o expresivo que antes, pero el combate ya no es puramente simbólico. Los niños se lastiman. Cabezas rotas. Un clavo atraviesa la oreja de alguien. Cuando los Jets avanzan sobre las rocas en formación, dan tanto miedo como podría serlo una falange de adolescentes blancos que chasquean los dedos. Gran parte del mérito de eso pertenece al increíble Mike Faist, quien interpreta al líder de la pandilla Riff como un orgulloso Proud Boy John Mulaney; si Riff ve la afluencia de puertorriqueños de la posguerra como una especie de amenaza existencial, es solo porque sus padres no le dejaron nada más para recordarlos.
“West Side Story”
Estudios del siglo XX
Los Tiburones son más comprensivos, ya que sus esperanzas de construir una vida mejor fueron interrumpidas por el racismo, el nativismo, la pobreza que ambas cosas engendran y lo que la planificación de la ciudad de Moisés ayudó a consagrar. Para enfrentar más directamente esos desafíos, el líder de Shark, Bernardo, ha sido reinventado con una nueva racha pugilística (David Alvarez lo ha interpretado con dulce e inquietante intensidad, cuya actuación es otro testimonio de Spielberg, “mi nombre es el único que tiene que estar encendido la fanfarronería del cartel y cómo le da libertad para elegir a las mejores personas de las que nunca has oído hablar, incluso para los papeles más importantes). Mucho antes de que dos amantes destrozados por las estrellas se vean en un gimnasio lleno de gente, la inutilidad de su inminente tragedia ya está escrita en grande. Pueden retumbar todo lo que quieran, pero las bolas de demolición vienen sin importar nada.
Eso debería ser suficiente para agregar un cargo extra a la historia de amor de 24 horas que se desarrolla entre Tony y María, y lo es al principio. Tan manchado por su comportamiento personal que “El Jilguero” ya no califica como su peor ofensa, Ansel Elgort interpreta a Tony como una mezcla del viejo estoicismo de Hollywood y el nuevo escándalo de Hollywood. Su encantadora voz de canto distrae de la dureza de su interpretación de diálogo, y tiene una hermosa figura de ídolo matiné, incluso si la suavidad irreal de la cinematografía de Janusz Kaminski, a la vez desnaturalizada y onírica, a menudo hace que parezca que Elgort está tratando de disfrazarse. como un joven CGI Jeff Bridges. Maria de Rachel Zegler … perfecta, sin notas, Natalie Wood era un icono, pero simplemente no hay competencia con un chico de teatro de la ciudad de Nueva York. Si la puesta en escena inquieta de Spielberg de “Tonight” distrae del talento de Zegler, la secuencia en la que Tony y María se enamoran a primera vista en la reunión social del vecindario está tan encantada que casi sientes que podrían detener el tiempo, irse de la ciudad, y corte directamente a “En algún lugar”.
“West Side Story”
Disney
Casi todos los números musicales son igualmente embriagadores, con partes superfluas como “Vaya, oficial Krupke” redimidas por una puesta en escena impulsada por los personajes, y la ya espectacular “América” que estalla en una batalla en todo el vecindario entre la perseverancia y la retirada. La novia de Bernardo, Anita (una incendiaria Ariana DeBose) es la animadora más vocal en defensa de la comunidad puertorriqueña, y pocas de las escenas dramáticas de esta película son más poderosas que el encuentro culminante en el que Anita intenta reconciliar su esperanza con ella. angustia.
Rita Moreno debería estar orgullosa de cómo DeBose habita el papel que una vez hizo icónico, y estoy seguro de que lo es: la leyenda de 89 años no solo es productora ejecutiva de esta película, es un enlace en pantalla a es pasado. Kushner ha matado al bondadoso farmacéutico gringo Doc y lo ha reemplazado por su viuda Valentina, a quien Moreno manda como un emblema viviente de la armonía que alguna vez pareció posible. Pero cada minuto dedicado a este nuevo personaje relega a Tony y María a un segundo plano, lo que es especialmente dañino en una película que busca el realismo expresionista incluso cuando nos pide que creamos que dos adolescentes podrían verse, casarse como parte de una aburrida vida. salir en The Cloisters, y luego tener relaciones sexuales después de que uno de ellos asesina al hermano del otro, todo en el lapso de un solo día.
“West Side Story”
© 20th Century Studios / Cortesía Colección Everett
Estos personajes siempre se han visto eclipsados por los papeles secundarios más coloridos del programa, como suelen ser los protagonistas de un musical, pero incluso en el contexto abreviado de una historia de Romeo y Julieta, simplemente no hay suficiente deseo entre ellos para vender su versión más drástica. opciones. Es tentador culpar a Elgort por eso, pero Kushner tiene gran parte de la responsabilidad; en su afán por articular el peso simbólico del amor prohibido de Tony y María, su guión pierde su pasión impulsiva. Por comprensible que pueda ser esa compensación, la decisión de dejar que Valentina cantara “Somewhere” como un riff elegíaco en “Empty Chairs at Empty Tables” obtiene un dedal de conmoción a cambio de una montaña de dolor. Atenúa el impacto del final de formas que ni siquiera las tácticas más brillantes de Kushner (por ejemplo, mover “I Feel Pretty” hasta el último momento posible) pueden redimir por completo, y permite a Spielberg alejarse de la musicalidad y entrar en el melodrama en el momento preciso en que necesita encontrar un equilibrio entre los dos.
Pero si “West Side Story” comienza a desmoronarse después del gran estruendo, el final fallido solo hace que este musical se sienta aún más como una pieza con las otras películas de Spielberg. La familiaridad activa de su cámara es tan restaurada por “West Side Story” como “West Side Story” lo es a cambio, Spielberg y Kushner agregando dimensión tras dimensión a un clásico estadounidense hasta que su tragedia se sumerge en el silencio. Es un musical maravilloso y una película descarada de Steven Spielberg. Y los momentos en los que más cómodamente se permite ser ambas cosas a la vez te dejan convencido de que vale la pena esperar algunas armonías, aunque parezca que siempre han estado a la vuelta de la esquina y silbando río abajo.
Grado: B +
20th Century Studies lanzará “West Side Story” en los cines el viernes 10 de diciembre.
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