Oscars 2023: ‘The Fabelmans’, ‘Babylon’ y más películas sobre cine

Como abundan las preguntas sobre el futuro del cine, estas son algunas de las conclusiones más importantes de una temporada muy meta de los Oscar.

Es un viejo adagio durante la temporada de los Oscar que a Hollywood le encanta celebrarse a sí mismo, pero ningún ciclo de premios en la memoria reciente lo ha hecho tan explícitamente como este. Si bien la categoría de Mejor Película ha dejado espacio para el extraño interrogatorio de la mitología cinematográfica durante la última década: “Mank”, “Once Upon a Time a Hollywood”, “La La Land”, ha pasado una década desde que “The Artist” arrasó con la lista. Oscar con su adulador tributo a la era del cine mudo, y se enfrentó a “Hugo”, que hizo más o menos lo mismo.

Esta vez, los votantes de la Academia son bombardeados con candidatos a Mejor Película que defienden las películas, tanto en pantalla como fuera de ella.

A raíz de la pandemia y las preguntas omnipresentes sobre la sostenibilidad de la forma de arte, esta reflexividad no debería sorprender, pero lo que sí se destaca es la falta de duplicación. No hay dos películas sobre películas de esta temporada que presenten el mismo argumento a favor de su importancia como arte o como medio de comunicación de masas. Un extraterrestre que visite este planeta milenios más adelante podría mirar a esta cosecha de contendientes para comprender el valor de las películas para las personas que las hacen ahora.

Por ahora, dado que abundan las preguntas sobre el futuro del cine, son una llamada de atención colectiva. Estas son algunas de las conclusiones más importantes de una temporada muy meta de los Oscar.

La cámara no miente…

“The Fabelmans” de Steven Spielberg puede ser su película más personal hasta la fecha, pero incluso sin el contexto que proporciona una historia de origen para el cineasta más exitoso de la historia, el argumento principal se sostiene.

Si bien los huesos del drama provienen de una historia de divorcio bastante melodramática, ese mismo tropo recibe un valor renovado al convertirlo en una especie de historia de detectives cinematográfica. El joven Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) encuentra pura alegría en el arte de hacer películas escapistas con todos los recursos que puede improvisar, pero es la naturaleza reveladora de sus películas caseras lo que profundiza su relación con el medio de formas que no predijo desde el principio. .

Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) en The Fabelmans, coescrita y dirigida por Steven Spielberg.

“Los Fabelman”

Merie Weismiller Wallace/Universal

Al enfocar su cámara de 8 mm en pequeños momentos domésticos, Sammy se encuentra con la atracción oculta de su madre por un amigo de la familia y llega a comprender su complejo sentido de distanciamiento emocional de su entorno. Ese es un profundo testimonio de lo que el cine puede hacer sin ninguno de los complejos trucos de la maquinaria de Hollywood.

Tome cualquier película de Spielberg al azar anterior a “The Fabelmans”, elimine la metáfora y obtendrá … “The Fabelmans”, una historia sobre cómo Spielberg llegó a comprender que la base de cada gran película debe ser más que trucos sofisticados.

…pero los anteojos pueden

¡Oh, pero qué trucos tan elegantes ofrecen las películas! “Top Gun: Maverick” caminó por la alfombra roja de Cannes (y arrasó sus cielos con jets) por una buena razón: resucitó los ritmos de una fórmula tradicional de gran éxito de taquilla justo a tiempo, demostrando tanto en sus atrevidas travesuras de avión como en su éxito comercial definitivo. que el escapismo de Hollywood ofrece un atractivo singular.

No tienes que estar loco por esta secuela para reconocer lo bien que funciona en sus propios términos. Ningún actor en la historia del cine desde Charlie Chaplin ha encarnado la naturaleza performativa del estrellato cinematográfico desde Tom Cruise, y la película construye sus enfrentamientos por números en torno a su atractivo duradero. A pesar de todo el peso de la cinematografía que se exhibe, en realidad se reduce al atractivo subyacente de Tom en la cabina, dando vueltas hasta el infinito, y el atractivo visceral de sentir que estás metido allí con él.

Sin embargo, “Top Gun” es solo el más conservador de los contendientes a los premios de este año para ilustrar el atractivo del espectáculo. James Cameron ya demostró que su magia de captura de actuaciones en “Avatar” podría impulsar el arte de la actuación cinematográfica en una nueva dirección; ahora ha demostrado que solo puede agregar agua para continuar con el experimento. Desde un punto de vista narrativo, “Avatar: The Way of Water” es una fórmula de secuela bastante familiar, con su personaje principal aprendiendo a ser un hombre de familia y viejos villanos arrojados de nuevo a la mezcla con nuevas variables para aumentar las apuestas. Pero es lo suficientemente bueno para el trabajo del gobierno cuando el cine de atracciones es el verdadero punto de venta.

Cameron filmó a sus actores bajo el agua y luego lo reemplazó con CGI, lo que resultó en una combinación fascinante de lo real y lo imaginario que ningún ojo humano había procesado antes. Elimina la noción sentimental de “magia cinematográfica” a favor de la magia cinematográfica literal.

AVATAR: EL CAMINO DEL AGUA, (también conocido como AVATAR 2), desde la izquierda: Jack Champion, director James Cameron, en el set, 2022. ph: Mark Fellman /© Walt Disney Studios Motion Pictures / Courtesy Everett Collection

James Cameron en el set de “Avatar: The Way of Water”

©Walt Disney Co./Cortesía Colección Everett

Sin embargo, “RRR” demuestra que la credibilidad no tiene que ser el único factor en un espectáculo satisfactorio. El gran espectáculo de Hollywood de SS Rajamouli se ha beneficiado de un ingenioso lanzamiento de autor mejorado por su disponibilidad en Netflix, pero no habría permanecido en la conversación tanto tiempo si no fuera una mezcla tan rica y satisfactoria de ficción histórica y acción caricaturesca. Un aspecto clave de esta historia épica de persecución y resiliencia contra el pulgar opresivo del Imperio Británico no niega el otro: el CGI se ve ridículo (¡ese tigre!) pero también tiene mucho sentido dentro de la lógica intensificada de una película que te invita en su locura y te anima a bailar.

Sin embargo, como recuerda “Nope” de Jordan Peele, existe el peligro de un escapismo tan elegante una vez que entra en un contexto comercial. El intento de capturar la extravagante criatura ovni de la película produce más que un pequeño derramamiento de sangre, al igual que cierta comedia de situación con un mono involuntario que se mete en el centro de su espectáculo. “Nope” tiene mucho que decir sobre las películas por implicación, pero en un reportaje detrás de escena de la película, el escritor y director no se anda con rodeos:

“El ADN de la película tiene esta gran pregunta sobre la adicción humana al espectáculo y qué sucede cuando el dinero se involucra en eso. Existe esta explotación masiva de lo que debería ser puro, lo que debería ser natural”.

Y eso nos lleva al otro punto destacado de esta temporada sobre el cine.

La historia del cine es desordenada…

En “Nope”, Daniel Kaluuya y Keke Palmer interpretan a los hermanos entrenadores de caballos para las producciones de Hollywood en un negocio familiar que se remonta al primer ejemplo de realización cinematográfica de la historia: resulta que el jockey del experimento cronofotográfico de 1878 de Eadweard Muybridge fue su gran… tatara abuelo. Es un poco de especulación histórica imaginativa que funciona como una lección rápida sobre los orígenes de la forma de arte, pero el punto principal de Peele es que la gama completa de contribuyentes al medio aún no se ha apreciado por completo.

Las voces marginadas siempre han estado ahí. La canonización de la historia tiene muchos agujeros.

Además, todo ese alboroto asociado con la Edad de Oro de las películas oscurece su núcleo más oscuro. “Babylon” de Damien Chazelle ofrece un tributo sensual al pre-Code Hollywood, pero a pesar de esa apertura orgiástica y mucho dinamismo en todo momento, en realidad se trata de la naturaleza grotesca (y a menudo peligrosa) de una industria joven sin barandillas para sus miembros más vulnerables. El racismo y el crimen florecen en esta película como si el sistema de estudio estuviera diseñado para crearla desde cero. A pesar del montaje culminante de Chazelle que celebra la forma de arte, “Babylon” persiste en la paradoja de la magia del cine: sí, el cine es esencial para encontrar significado en el mundo, pero ¿a qué costo?

BABYLON, frente, desde la izquierda: PJ Byrne, Olivia Hamilton, 2022. ph: Scott Garfield /© Paramount Pictures /Cortesía Colección Everett

“Babilonia”

©Paramount/Cortesía Colección Everett

Bueno, “She Said” nos muestra exactamente el costo. Si bien puede ser una de las representaciones más precisas del periodismo de investigación, la absorbente historia de Maria Schrader sobre los reporteros del New York Times que dieron a conocer las historias de los abusos en serie de Harvey Weinstein también trata sobre cómo la industria permitió tal comportamiento en primer lugar. Aunque tuvo problemas en la taquilla y podría tener dificultades para mantener el impulso de la temporada de premios, “She Said” ofrece una perspectiva crítica de la metatendencia de esta temporada.

Debido a que el cine tiene un atractivo tan inherente, ofrece un gran atractivo para las personas jóvenes e ingenuas y los depredadores ansiosos por explotarlos. Ese peligro fundamental va mucho más allá de los crímenes de Weinstein. La escena más efectiva de “She Said” son sus primeros minutos, un montaje absorbente en el que una joven se enamora de un plató de cine y luego, en una toma devastadora que la encuentra corriendo por la calle llorando, sufre las consecuencias. del monstruo detrás de escena.

La ilustración de esta vulnerabilidad, la alegría de hacer películas que oscurece sus riesgos ambientales, debería servir como una advertencia para las generaciones. Y si eso parece demasiado serio, pruebe con “Pearl” de Ti West, que hace lo mismo con su proyeccionista depredador que intenta persuadir a la antihéroe de la Primera Guerra Mundial (Mia Goth) de la película para que participe en el porno mudo. En un año menos competitivo, Goth sería una candidata seria a Mejor Actriz por vengarse de su horrible plan, logrando una especie de respuesta proto-MeToo al sistema de abuso en su fase más temprana.

…pero ir al cine es sagrado

Afortunadamente, algunos proyeccionistas también son buenas personas. “Empire of Light” de Sam Mendes ha recibido críticas mixtas con su nostálgica historia de amor entre los empleados de un cine en un pueblo costero de la era de los 80, pero nadie puede discutir lo bien que Toby Jones se roba el espectáculo. Como el sabio gurú de la cabina de proyección que acecha en la cúspide del romance principal, ofrece catarsis a cada paso a través del celuloide que tiene a su disposición. Al proyectar “Being There” para su compañera de trabajo deprimida (Olivia Colman), activa el último interruptor para mejorar su estado de ánimo. Es una escena cursi pero innegablemente contagiosa si puedes relacionarte, especialmente porque el acto mismo de las experiencias teatrales está en riesgo.

Toby Jones y Micheal Ward en la película IMPERIO DE LUZ.  Cortesía de Searchlight Pictures.  © 2022 20th Century Studios Todos los derechos reservados.

“Imperio de la Luz”

Considere “TÁR”. Si bien no es una película explícita sobre películas, la mirada inmersiva de Todd Field a los impulsos autodestructivos de una mujer exitosa es una experiencia teatral pura: un ejemplo de tres horas de construcción cinematográfica del mundo y narración subjetiva que exige la atención pura e ininterrumpida de sus espectadores. , algo que solo el cine puede aportar.

Es un himno mayor a la magia del cine que incluso “Avatar”, un espectáculo de emociones que te obliga a prestar atención. En estos días, eso equivale a un acto radical, y es exactamente el tipo de maniobra audaz que necesita esta forma de arte para sobrevivir a cualquier amenaza existencial que se presente a continuación.

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